Join the culinary experts at The Gourmand on an in-depth exploration of the literary, linguistic, historic, and gastronomic legacy of lemons, where the line between food and art is happily blurred. Featuring original recipes that celebrate the versatility and complexity of the king of citrus in the second volume of the best-selling series.
Join the culinary experts at The Gourmand on an in-depth exploration of the literary, linguistic, historic, and gastronomic legacy of lemons, where the line between food and art…
When Benedikt Taschen asked the most important portrait photographer working today, Annie Leibovitz, to collect her pictures in a SUMO-sized book, she was intrigued by the challenge. The project took several years to develop and when it was finally published in 2014, it weighed in at 26 kg (57 pounds).This incredible collection is now available in an accessible XXL book format. Leibovitz drew on more than 40 years of work, starting with the photojournalism she did for Rolling Stone magazine in the 1970s through the conceptual portraits she made for Vanity Fair and Vogue. She selected iconic images—such as John Lennon and Yoko Ono entwined in a last embrace—as well as portraits that had rarely, if ever, been seen before.The Annie Leibovitz SUMO covered political and cultural history, from Queen Elizabeth II and Richard Nixon to Laurie Anderson and Lady Gaga.“What I had thought of initially as a simple process of imagining what looked good big, what photographs would work in a large format, became something else,” Leibovitz says. “The book is very personal, but the narrative is told through popular culture. It’s not arranged chronologically and it’s not a retrospective. It’s more like a roller coaster.”Fans of Leibovitz and her many celebrated subjects can now enjoy that same roller coaster ride for themselves with this unlimited edition.
When Benedikt Taschen asked the most important portrait photographer working today, Annie Leibovitz, to collect her pictures in a SUMO-sized book, she was intrigued by the…
“Holds many surprises for the reader who has seen the Cuban reality . . . only through the distorting prism of propaganda.” —The New York Times Book Review, 1967
On December 31, 1958, Lee Lockwood, then a young photojournalist, went to Cuba to cover what looked to be the end of Batista’s regime. He arrived the day before Fidel Castro took power and spent a week canvassing the island before finding the victorious leader. Castro immediately took to Lockwood and over the next decade invited him back many times, granting him special access to his inner circle and free rein to explore the island without the usual restrictions imposed upon American journalists.
In 1965, Castro granted Lockwood a rare, in-depth interview but then missed appointment after appointment. Days turned into weeks turned into three interminable months, as Lockwood, like many journalists before and since, waited for Castro. But it was worth the anticipation, climaxing in a marathon seven-day interview that covered everything from racial issues in America to the Cuban Missile Crisis. It remains to this day one of the most penetrating portraits of the Cuban leader.
Originally published in 1967, Lockwood’s interviews and observations are now republished by TASCHEN alongside hundreds of photographs covering both the weeks Lockwood spent traveling with Castro and the years he documented Cuba’s transformation throughout the ’60s. From military encampments in the Sierra Maestra mountains to Havana street life and political rallies, many of these color images have never been published before. A foreword and afterword by Latin America expert Saul Landau contextualize Lockwood’s work at a moment in history when U.S.-Cuba relations once again take center stage.
“Holds many surprises for the reader who has seen the Cuban reality . . . only through the distorting prism of propaganda.” —The New York Times Book Review, 1967
On December 31,…
A photographic homage to our planet
“In Genesis, my camera allowed nature to speak to me. And it was my privilege to listen.” — Sebastiao Salgado
On a very fortuitous day in 1970, 26-year-old Sebastiao Salgado held a camera for the first time. When he looked through the viewfinder, he experienced a revelation: suddenly life made sense. From that day onward—though it took years of hard work before he had the experience to earn his living as a photographer—the camera became his tool for interacting with the world. Salgado, who “always preferred the chiaroscuro palette of black-and-white images,” shot very little color in his early career before giving it up completely.
Raised on a farm in Brazil, Salgado possessed a deep love and respect for nature; he was also particularly sensitive to the ways in which human beings are affected by their often devastating socio-economic conditions. Of the myriad works Salgado has produced in his acclaimed career, three long-term projects stand out: Workers (1993), documenting the vanishing way of life of manual laborers across the world; Migrations (2000), a tribute to mass migration driven by hunger, natural disasters, environmental degradation and demographic pressure; and this new opus, GENESIS, the result of an epic eight-year expedition to rediscover the mountains, deserts and oceans, the animals and peoples that have so far escaped the imprint of modern society—the land and life of a still-pristine planet. “Some 46% of the planet is still as it was in the time of genesis,” Salgado reminds us. “We must preserve what exists.” The GENESIS project, along with the Salgados’ Instituto Terra, are dedicated to showing the beauty of our planet, reversing the damage done to it, and preserving it for the future.
Over 30 trips—traveled by foot, light aircraft, seagoing vessels, canoes, and even balloons, through extreme heat and cold and in sometimes dangerous conditions—Salgado created a collection of images showing us nature, animals, and indigenous peoples in breathtaking beauty. What does one discover in GENESIS? The animal species and volcanoes of the Galapagos; penguins, sea lions, cormorants, and whales of the Antarctic and South Atlantic; Brazilian alligators and jaguars; African lions, leopards, and elephants; the isolated Zo’e tribe deep in the Amazon jungle; the Stone Age Korowai people of West Papua; nomadic Dinka cattle farmers in Sudan; Nenet nomads and their reindeer herds in the Arctic Circle; Mentawai jungle communities on islands west of Sumatra; the icebergs of the Antarctic; the volcanoes of Central Africa and the Kamchatka Peninsula; Saharan deserts; the Negro and Jurua rivers in the Amazon; the ravines of the Grand Canyon; the glaciers of Alaska... and beyond. Having dedicated so much time, energy, and passion to the making of this work, Salgado calls GENESIS “my love letter to the planet.”
A photographic homage to our planet
“In Genesis, my camera allowed nature to speak to me. And it was my privilege to listen.” — Sebastiao Salgado
On a very fortuitous day in 1970,…
Zwischen Dr. Caligari und Hitler – Berlin in den Goldenen Zwanzigern
Die 1920er-Jahre sind Berlins goldenes Jahrzehnt. Das Nachkriegselend wollen sie vergessen machen, bevor sich nach einem kurzen Intermezzo Wirtschaftskrise und Nationalsozialismus Bahn brechen. Berlin erfahrt in den 1920ern einen ungeheuren Modernisierungsschub und ist plotzlich eine moderne, rasante Weltstadt, die nicht mehr schlafen geht und zum ewigen Sehnsuchtsort hedonistischer Fantasien wird: Vom Alexanderplatz fahrt eine Stra?enbahn zur Milchstra?e, vor expressionistischen Gemalden fliegt dem Burger der Hut vom Kopf und in den Nachtklubs gibt man sich sexueller Anarchie und kultivierten Koksneurosen hin. Berlin erlebt eine kurze Zeit der kulturellen Blute, des intellektuellen Reichtums und der exzessiven Lebensfreude. In den Jazzbars, dekadenten Kabaretts, uberfullten Kinosalen und Tanzlokalen pulsiert das Leben, rasende Reporter schreiben es mit, Zeitungsjungen schreien es heraus, erschopfte Nachtschwarmer erzahlen es ihren Psychoanalytikern. Sensation jagt Sensation, Manner lieben Manner, Frauen lieben Frauen, rauchen, trinken, tragen Haare und Rocke kurz und verdienen eigenes Geld. Fritz Lang dreht Film um Film, Siegfried Kracauer studiert Ladenmadchen und die neue Angestelltenkultur, Immobilienspekulanten werden reich, Glucksritter arm, Franz Hessel flaniert, die Leuchtreklamen flackern, und die S-Bahn singt ein Lied dazu.
Dieser Band wirft Schlaglichter auf herausragende Werke aus Architektur, Malerei, Bildhauerei, Film und Fotografie, darunter die Bauprojekte des Architekten Peter Behrens fur den Alexanderplatz, Otto Dix’ Bildnis der Journalistin Sylvia von Harden im Stil der Neuen Sachlichkeit, Lotte Jacobis Fotografien, die Fotocollagen Hannah Hochs oder Josef von Sternbergs Der blauer Engel mit Marlene Dietrich. Ein Feuerwerk der Kreativitat, des Eigensinns und der Vielfalt, das schon bald verloschen sollte.
Zwischen Dr. Caligari und Hitler – Berlin in den Goldenen Zwanzigern
Die 1920er-Jahre sind Berlins goldenes Jahrzehnt. Das Nachkriegselend wollen sie vergessen machen, bevor sich…
На протяжении своей карьеры Василий Кандинский (1866-1944) менял свой стиль – и, следовательно, весь ход истории искусства. Начиная с фигуративной и пейзажной живописи, он использовал цвета и формы все более духовно, эмоционально и ритмично и сегодня считается художником первого чисто абстрактного произведения искусства.
Кандинский был не только художником-практиком, но и учителем и теоретиком, который привнес в свои картины интерес к музыке, театру, поэзии, философии, этнологии, мифологии и оккультизму. Он основал вместе с Францем Марком влиятельную группу "Синий всадник", преподавал в Баухаусе и, помимо своих блестящих картин, подготовил авторитетные теоретические трактаты.
В сборнике "Кандинский" представлены самые важные работы художника и представлен его репертуар цветов, форм и чувств. Хаджо Дюхтинг прослеживает радикальную эволюцию художника и показывает, как она подготовила почву для абстрактного экспрессионизма.
Книга на немецком языке.
Auf der Suche nach Reinheit
Im Laufe seiner Karriere veränderte Wassily Kandinsky (1866-1944) seinen Stil – und damit den gesamten Verlauf der Kunstgeschichte. Von figürlicher und Landschaftsmalerei ausgehend, setzte er Farben und Formen zunehmend spirituell, emotional und rhythmisch ein und gilt heute als Maler des ersten rein abstrakten Kunstwerks.
Kandinsky war nicht nur praktizierender Künstler, sondern auch Lehrer und Theoretiker, der sein Interesse an Musik, Theater, Lyrik, Philosophie, Ethnologie, Mythologie und Okkultem in seine Bilder einfließen ließ. Er gründete zusammen mit Franz Marc die einflussreiche Gruppe „Der Blaue Reiter“, unterrichtete am Bauhaus und produzierte neben seinem schillernden visuellen Werk auch maßgebliche theoretische Abhandlungen wie Über das Geistige in der Kunst. Darin propagierte er u.a. die Verbindung zwischen Malerei, Musik und mystischen Erfahrungen und die Reinheit der Kunst, die sich vom materiellen Realismus weg hin zu einer vor allem durch Farbe kondensierten emotionalen Ausdrucksform bewegen sollte.
Dieser Band präsentiert Kandinskys wichtigste Werke und stellt sein Repertoire an Farben, Formen und Gefühlen vor. Der Verfasser zeichnet die radikale Entwicklung des Künstlers nach und zeigt, wie diese dem Abstrakten Expressionismus den Weg bereitete.
На протяжении своей карьеры Василий Кандинский (1866-1944) менял свой стиль – и, следовательно, весь ход истории искусства. Начиная с фигуративной и пейзажной живописи, он…
Таинственный мир Полинезии глазами Поля Гогена
Поль Гоген (1848-1903) не был создан для финансовой деятельности, не был предназначен ни для службы во французском флоте, ни для работы продавцом брезента в Копенгагене, не зная ни слова по-датски. В 1873 году он начал заниматься живописью в свободное время, а в 1876 принял участие в Парижском салоне. Еще через три года он будет выставляться уже в одном ряду с Писсаро, Дега и Моне.
Тесная, но непростая дружба Гогена с таким же непредсказуемым Винсентом Ван Гогом оборвалась в 1888 году, когда Ван Гог, по легенде защищался от Гогена лезвием бритвы, а через некоторое время отрезал себе ухо. Вскоре после этого эпизода, закончив работу над шедевром "Видение после проповеди" (1888), который ознаменовал середину его творческого пути, Гоген решил уехать на Таити с намерением оставить "все искусственное и конвенциональное".
Гоген наслаждался природой острова, наблюдением за местными жителями и обилием образов, которые вдохновили его на создание множества картин и гравюр. В таких работах, как "Женщина с цветком" ("Vahine no te Tiare", 1891) и "Радость отдохновения" ("Nave Nave Moe," 1894), наполненных светом и яркими красками, он создал характерный очищенный стиль, узнаваемый сегодня по всему миру.
Гоген умер в одиночестве на одном из соседних с Таити Маркизских островов. Большинство его вещей разошлось по местным аукционам. Только после того, как один опытный арт-дилер начал собирать и показывать работы Гогена в Париже, его влияние стало ощутимым в творчестве нового поколения французских художников-авангардистов, таких как Пикассо и Матисс. Эта книга представляет собой исследование творчества художника, от импрессионистских салонов 1870-х годов до финала его плодотворной и страстной жизни на тихоокеанских островах.
Книга на французском языке.
Le regard de Paul Gauguin sur le Pacifique resplendit de couleurs et de lumière
Paul Gauguin (1848–1903) n’était pas fait pour la finance. Ni pour faire carrière dans la marine française, ni pour demeurer vendeur de bâches à Copenhague sans parler un mot de danois. C’est dans son temps libre qu’il débuta la peinture en 1873 et participa en 1876 au Salon de Paris. Trois ans plus tard, il était exposé aux côtés de Pissaro, Degas et Monet.
Homme bourru, grand buveur, Gauguin se qualifiait lui-même aussi de sauvage. Son étroite mais difficile amitié avec le tout aussi imprévisible Vincent van Gogh connut un violent épilogue en 1888, quand Van Gogh se défend soi-disant de Gauguin avec une lame de rasoir et, l’instant d’après, se tranche l’oreille. Peu après, ayant achevé La vision après le sermon (1888), chef-d’œuvre marquant le milieu de sa carrière, Gauguin décide de partir pour Tahiti avec l’intention d’échapper à «tout ce qui est artificiel et conventionnel…»
Sur place, Gauguin jouit sans entraves de la nature de l’île, des autochtones et de la profusion des images qui lui inspirent une production foisonnante...
Таинственный мир Полинезии глазами Поля Гогена
Поль Гоген (1848-1903) не был создан для финансовой деятельности, не был предназначен ни для службы во французском флоте, ни для…
Душа Модерна
Чешский художник Альфонс Муха (1860-1939) своей изящной кистью и цветочными деталями определил визуальный стиль рубежа веков. Его чувственные композиции с пейзажными мотивами, цветами и прекрасными женщинами, выполненные в персиковых, золотых, охровых и оливковых тонах, стали парадигмой Belle Epoque или "Прекрасной эпохи".
Муха создавал иллюстрации, афиши, открытки. Среди самых известных его работ - восхитительные афиши с изображением великой актрисы Сары Бернар. Наряду с декоративными работами Муха посвятил свою жизнь отстаиванию политических убеждений. В монументальном цикле "Славянская эпопея" он прославил панславизм, выступая за политическую независимость чешских и славянских народов, входивших в состав Австро-Венгрии.
Книга, выпущенная в сотрудничестве с Фондом Мухи, рассказывает о ключевых работах художника и представляет его творчество во всем его богатстве и разнообразии - от декораций с их тысячей мотивов до иллюстраций, афиш, фотографий и монументальных картин.
Книга на французском языке.
L’âme de l’Art Nouveau
Par son trait plein de grâce et ses détails floraux, l’artiste tchèque Alphonse Mucha (1860-1939) a défini le style visuel du tournant du siècle. Avec leurs nuances pêche, or, ocre et olive évocatrices, ses compositions séduisantes de motifs, de fleurs et de superbes femmes sont devenues des paradigmes des années Belle Époque.
L’œuvre de Mucha imprègne l’illustration, les affiches, les cartes postales et le design publicitaire de son époque. Ses fascinantes affiches de la grande artiste Sarah Bernhardt comptent parmi ses plus célèbres réalisations. Parallèlement à ses œuvres décoratives, Mucha s’est consacré à défendre des convictions politiques. À travers le cycle monumental L’Épopée slave, il a exprimé son fervent soutien au panslavisme, plaidant pour l’indépendance politique des nations tchèques et slaves faisant partie de l’Empire austro-hongrois.
Réalisé en collaboration avec la Fondation Mucha, ce livre met en avant des œuvres-clefs de Mucha et présente sa création artistique dans toute sa richesse, de ses décorations aux mille motifs à ses illustrations, ses affiches, ses photographies jusqu’à ses peintures monumentales.
Душа Модерна
Чешский художник Альфонс Муха (1860-1939) своей изящной кистью и цветочными деталями определил визуальный стиль рубежа веков. Его чувственные композиции с пейзажными…
Die berühmteste Kunstschule der Moderne
Zwischen zwei Weltkriegen, in gerade mal 14 Jahren, veränderte das Bauhaus die Moderne. Die von utopischen Idealen geleitete Schule für Kunst und Design führte Kunst, Handwerk und Technik zusammen und wandte dieses ganzheitliche Konzept auf Malerei, Bildhauerei, Design, Architektur, Film, Fotografie, Textilgestaltung, Töpferei, Theater und Installationen an.
Das Künstlerkollektiv mit Außenwirkung war zugleich eine enge persönliche Gemeinschaft. Gegründet wurde die Schule von Walter Gropius (1883-1969), zu den Mitgliedern gehörten Josef und Anni Albers, Wassily Kandinsky, Paul Klee, Oskar Schlemmer, Gunta Stölzl, Marianne Brandt und Ludwig Mies van der Rohe. An allen drei aufeinander folgenden Standorten der Schule in Weimar, Dessau und Berlin herrschte ein reger kreativer Austausch zwischen den Schülern und Lehrern, die zwar alle unterschiedliche künstlerische Stile und Vorlieben pflegten, jedoch in ihrem Idealismus und dem Streben nach einem „Gesamtkunstwerk“ vereint waren.
Dieser Band feiert die Innovationskraft der Bauhaus-Bewegung, die die Moderne mit ihren avantgardistischen Ideen befeuerte und in der Kunsterziehung auf umfassende Freiheit des künstlerischen Ausdrucks sowie die Verbindung von Funktion und Ästhetik setzte.
Die berühmteste Kunstschule der Moderne
Zwischen zwei Weltkriegen, in gerade mal 14 Jahren, veränderte das Bauhaus die Moderne. Die von utopischen Idealen geleitete Schule für…
Founded in 1928 as a “living diary” by the great Milanese architect and designer Gio Ponti, domus has been hailed as the world’s most influential architecture and design journal. With style and rigor, it has reported on the major themes and stylistic movements in industrial, interior, product, and structural design.This fresh reprint of domus' 1950s coverage brings together the most important features from an era of post-war optimism. As memories of conflict receded, architecture and design sought new forms, materials, and applications, as well as increasing international dialogue. Highlights include Le Corbusier’s design of the United Nations Building in New York; the Case Study Houses of Charles and Ray Eames; Richard Neutra in California, office machines by Olivetti, furniture by Ray and Charles Eames, ceramics and tables by Ettore Sottsass, and the Herman Miller Showroom by Alexander Girard in San Francisco.domus distilledSeven volumes spanning 1928 to 1999Over 4,000 pages featuring influential projects by the most important designers and architectsOriginal layouts and all covers, with captions providing navigation and contextIntroductory essays by renowned architects and designersEach edition comes with an appendix featuring texts translated into English, many of which were previously only available in ItalianA comprehensive index in each volume listing both designers’ and manufacturers’ names.
Founded in 1928 as a “living diary” by the great Milanese architect and designer Gio Ponti, domus has been hailed as the world’s most influential architecture and design journal.…
A unique tribute from David Bowie’s official photographer and creative partner, Mick Rock, compiled in 2015, with Bowie’s blessing.In 1972, David Bowie released his groundbreaking album The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars. With it landed Bowie’s Stardust alter ego: a glitter-clad, mascara-eyed, sexually ambiguous persona who kicked down the boundaries between male and female, straight and gay, fact and fiction into one shifting and sparkling phenomenon of ’70s self-expression. Together, Ziggy the album and Ziggy the stage spectacular propelled the softly spoken Londoner into one of the world’s biggest stars.A key passenger on this glam trip into the stratosphere was fellow Londoner and photographer Mick Rock. Rock bonded with Bowie artistically and personally, immersed himself in the singer’s inner circle, and, between 1972 and 1973, worked as the singer’s photographer and videographer.This collection brings together spectacular stage shots, iconic photo shoots, as well as intimate backstage portraits. With a lenticular cover of different headshots, it celebrates Bowie’s fearless experimentation and reinvention, while offering privileged access to the many facets of his personality and fame. Through the aloof and approachable, the playful and serious, the candid and the contrived, the result is a passionate tribute to a brilliant and inspirational artist whose creative vision will never be forgotten.
A unique tribute from David Bowie’s official photographer and creative partner, Mick Rock, compiled in 2015, with Bowie’s blessing.In 1972, David Bowie released his groundbreaking…
The USA is one of the most varied and fascinating countries in the world. Its areas of natural beauty such as the Pacific Coast, the Yosemite National Park, and Monument Valley are the stuff of great cinema (Hollywood finds its best settings practically in its backyard). For everyone who explores the USA beyond its big cities on a classic road trip, on the trail of Native Americans and pioneers, in the mountains or by lakes and beaches, unforgettable moments are guaranteed.
In Great Escapes USA, Angelika Taschen presents remarkable places to stay through impressive photography, entertaining texts, and practical details on how to get there, prices, and tips for books and films. Her journey starts on the East Coast, where intellectuals and artists once met in idyllically located country houses such as the Twin Farms in Vermont and Troutbeck in New York State. It continues to the South, where The Moorings Village and Hotel Peter & Paul, for example, tell of the history of Florida and Louisiana, and Southern belles such as the Commodore Perry Estate in Austin, Texas reveal their glamor.
Dunton Hot Springs, once a miners’ camp in Colorado, now transformed from a ghost town to an upscale rustic resort, lies on the route, just like the urban utopia that is Arcosanti in Arizona, conceived by the architect Paolo Soleri in the 1970s. The trip comes to a wonderful conclusion in California with unique hotels such as Deetjen’s Big Sur Inn, where many famous writers have stayed in the Norwegian-influenced wooden cabins, laid-back motels like The Surfrider Malibu, which is all about the California dream, and heavenly destinations for gourmets, for example SingleThread in Sonoma County with its three Michelin stars.
The photography in this opulent publication presents hotels in the tradition of great architects such as Frank Lloyd Wright as well as the work of young contemporary designers and buildings in the typical American mid-century style. A horse ranch, a glamping site, even a hippie bathhouse and vintage mobile homes are also included – places as varied as the USA itself!
The USA is one of the most varied and fascinating countries in the world. Its areas of natural beauty such as the Pacific Coast, the Yosemite National Park, and Monument Valley…
The Greek myths are timeless classics, whose scenes and figures have captivated us since ancient times. The gods and heroes of these legends hold up a mirror to the human condition, embodying universal characteristics and emotions, like love, hatred, fortune, jealousy, revenge, hubris, greed, or bravery. These traits are the basis for immortal dramas and rich narratives, as profound as they are entertaining, which form the bedrock of our culture and literature today and remain relevant and fascinating for all readers, young and old alike.This edition contains 21 of the most famed episodes from the Trojan War, the subsequent wanderings of Odysseus, and his long-awaited return to Ithaca. The texts are carefully compiled from the seminal work Sagen des klassischen Altertums (Gods and Heroes: Myths and Epics of Ancient Greece) by Gustav Schwab (1792–1850), and strikingly illustrated by 15 artists, among them outstanding representatives of the Golden Age of Book Illustration and the Arts and Crafts Movement, including Walter Crane (1845–1915), William Russell Flint (1880–1969), Newell Convers Wyeth (1882–1945), and Virginia Frances Sterrett (1900–1931).These illustrations are complemented by scene-setting vignettes for each story and a genealogical tree of Greek gods and goddesses by Clifford Harper. Placing the tales in a historical context, the book contains an introduction by Dr. Michael Siebler and is rounded off with an extensive glossary of the most important protagonists in the Greek myths. The heroism, tragedy, and theater of Greek mythology glimmer through each tale in this lavishly illustrated edition, awakening the gods and heroes to new life.
The Greek myths are timeless classics, whose scenes and figures have captivated us since ancient times. The gods and heroes of these legends hold up a mirror to the human…
Проекты-победители конкурса Pentawards 2021 и 2022 годов.
В нашем седьмом издании книги по дизайну упаковки мы исследуем ведущие мировые инновации в области дизайна упаковки, представленные на конкурсе Pentawards 2021 и 2022 годов. Впервые на выставке представлены работы в новой категории "Экологичный дизайн", в которой представлены проекты признанных профессионалов отрасли и молодых талантов, стремящихся уменьшить воздействие упаковки на планету.
В этом издании особое внимание уделяется инновационному дизайну упаковки, в основе которого лежит экологичность, разнообразие и инклюзивный подход к дизайну. Заявки из более чем 60 стран раздвинули границы визуальных эффектов, создав значимые дизайны, которые одновременно являются чистым выражением ценностей их брендов и вызывают восторг у потребителей, которые их покупают. В этой книге воплощены прекрасные дизайнерские концепции, которые были разработаны добросовестно.
Наряду с тысячами заявок на участие в конкурсе, жюри Pentawards также выросло до эклектичного состава из 50 членов, представляющих 25 брендов и 25 дизайнерских агентств, включая Amazon, Mars Food, Vault49, Estée Lauder, Superunion, Coty, WWF и Stranger & Незнакомка. В этой книге представлен современный дизайн упаковки, который не только остроумен, благороден и современен, но и иллюстрирует влияние этой дисциплины дизайна.
Проекты-победители конкурса Pentawards 2021 и 2022 годов.
В нашем седьмом издании книги по дизайну упаковки мы исследуем ведущие мировые инновации в области дизайна упаковки,…
Genie et angoisse existentielle d’un talent torture
De nos jours, les ?uvres de Vincent van Gogh (1853–1890) sont parmi les plus celebres et reconnues dans le monde. Ces peintures telles que les Tournesols, La Nuit etoilee ou l’Autoportrait a l’oreille bandee revelent un artiste a l’habilete unique pour figurer les matieres et ambiances, la lumiere et les lieux.
Pourtant, van Gogh s’est battu toute sa vie contre le desinteret de ses contemporains, mais aussi contre des acces de folie devastateurs. Ses episodes de depression et d’angoisse auront finalement raison de sa vie puisqu’il se suicida en 1890, a l’age tout juste de 37 ans.
Cette vaste etude de Vincent van Gogh offre le catalogue complet de ses 871 peintures, reunies aux cotes d'ecrits et d’essais, qui retracent la vie et l’?uvre d’un maitre qui domine encore et toujours l’art.
Genie et angoisse existentielle d’un talent torture
De nos jours, les ?uvres de Vincent van Gogh (1853–1890) sont parmi les plus celebres et reconnues dans le monde. Ces peintures…
Mystère quotidien du plus grand surréaliste de Belgique
Avec ses hommes en chapeaux melon flottant dans le ciel, ou sa représentation d’une pipe au-dessus de la légende «Ceci n’est pas une pipe», René Magritte (1898-1967) a transformé ses toiles en chambre d’écho pour objets et images, noms et choses, réalité et représentation.
Comme d’autres œuvres surréalistes, les tableaux de Magritte allient une technique précise et mimétique à des configurations anormales et aliénantes qui défient les lois de la proportion, de la logique et de la science : un peigne de la taille d’une armoire, des rochers flottant dans le ciel, des nuages qui entrent par une porte ouverte. Le tout crée un univers direct mais déconcertant, souvent drôle et souvent troublant qui nous pousse toujours au-delà du visible, vers «ce qui est caché par ce que l’on voit».
Ce livre d’introduction explore la vaste palette de Magritte, faite d’humour visuel, de paradoxe et de surprise de l’artiste qui nous amène aujourd’hui encore à contempler sans cesse ses tableaux aussi bien que notre conception du monde et de nous-mêmes.
Mystère quotidien du plus grand surréaliste de Belgique
Avec ses hommes en chapeaux melon flottant dans le ciel, ou sa représentation d’une pipe au-dessus de la légende «Ceci…
Beauté singulière
Amedeo Modigliani (1884-1920) a tracé des odes infinies aux formes féminines, inscrivant ses corps allongés, ses yeux en amande et son propre nom dans l’histoire de l’art. Ses personnages féminins alanguis au longs cous, surprenants et sensuels, se reconnaissent au premier coup d’œil.
Le style unique de Modigliani correspondait à son idéal de beauté personnel, mais s’inspirait d’une riche variété d’influences visuelles, dont le cubisme, les gravures africaines, les sculptures cambodgiennes et la peinture du XIIIe siècle de son Italie natale. S’il est surtout connu pour ses nus de femmes, Modigliani a usé de techniques similaires pour ses portraits d’artistes contemporains, comme Pablo Picasso, Jean Cocteau et Chaïm Soutine.
À travers des œuvres clé de sa palette très personnelle, ce livre introduit la carrière aussi brève que glorieuse de Modigliani au cœur du foyer moderniste de Paris.
Beauté singulière
Amedeo Modigliani (1884-1920) a tracé des odes infinies aux formes féminines, inscrivant ses corps allongés, ses yeux en amande et son propre nom dans l’histoire…
Die geheimnisvolle Welt des Jan van Eyck
Jan van Eyck (um 1390-1441) war ein Meister in der Kunst der wirklichkeitsgetreuen Abbildung und ebnete den Weg für spätere realistische Maler. Sein bekanntestes Gemälde, das Arnolfini-Doppelbildnis, eines der berühmtesten der Kunstgeschichte, ist ein typisches Beispiel für van Eycks ausgeklügelte Details und eine stark symbolhaltige Ikonografie, die das Bild bis heute zum Geheimnis macht (was man ebenso über sein Leben sagen kann): Sehen wir die unschuldige Darstellung eines Heiratsversprechens, wie der erste Blick nahelegen mag, oder gar eine Wiedergängerin aus dem Jenseits, die um Erlösung bittet? Das Gemälde lädt den Betrachter ein, der Spur mit den eigenen Augen zu folgen und sich tief hinein ins Bild zu begeben.
Van Eycks naturalistische Darstellungen umfassten sowohl weltliche als auch religiöse Themen und bewegten sich nahtlos zwischen dem realen Alltag der Menschen im 15. Jahrhundert und den „himmlischen Kulissen“. So sagte man ihm nach, „das Heilige ins Haus“ zu holen. Zudem wurde van Eyck eine der folgenreichsten Errungenschaften der Kunstgeschichte zugeschrieben: In den Lebensbeschreibungen des Vasari heißt es, der Künstler habe die Ölmalerei erfunden.
Die Einführung aus TASCHENs Kleiner Reihe dokumentiert Leben und Werk van Eycks, zeigt Altar- und Heiligenbilder sowie private Auftragsporträts – van Eyck war einer der ersten, der das Porträt als autonome Bildgattung etablierte. Ein eigenes Kapitel widmet sich dem Genter Altar, Jan van Eycks umfangreichstem, vielseitigstem und komplexestem Werk. Die jüngst entstandenen Neuaufnahmen der restaurierten Tafeln kommen einer kleinen Revolution gleich. Sie ermöglichen eine neue Sichtweise, und die vielen Details erlauben die Arbeitsprozesse neu zu definieren.
Die geheimnisvolle Welt des Jan van Eyck
Jan van Eyck (um 1390-1441) war ein Meister in der Kunst der wirklichkeitsgetreuen Abbildung und ebnete den Weg für spätere realistische…
Un homme en mission pour la modernité
Né Charles-Édouard Jeanneret, Le Corbusier (1887-1965) est largement acclamé comme l’architecte le plus influent du 20e siècle. Appliqués à des résidences privées comme à des logements sociaux, ses idées, créations et écrits radicaux composent une réinvention totale non seulement des structures individuelles, mais aussi, plus globalement, la façon dont la vie moderne est conçue.
Le travail de Le Corbusier a évolué au fil des années, de ses premières maisons vernaculaires en Suisse aux synthèses dynamiques d’art et d’architecture que constituent la chapelle de Ronchamp ou la cité administrative de Chandigarh, en Inde, en passant pas ses époustouflantes villas blanches et puristes. Le fil conducteur de ces créations est sa capacité à combiner aspirations fonctionnalistes et un sens aiguisé de l’expressionnisme, ainsi qu’une appréhension plus large et plus empathique de l’urbanisme, puisqu’il fait partie des membres fondateurs du Congrès international d'architecture moderne (CIAM), qui défendait une «architecture comme art social».
Ce livre expose certains des projets majeurs de Le Corbusier pour présenter un architecte, penseur et pionnier de la modernité qui, même dans ses projets jamais réalisés, a fourni matière à débat et inspiration aux générations à venir.
Un homme en mission pour la modernité
Né Charles-Édouard Jeanneret, Le Corbusier (1887-1965) est largement acclamé comme l’architecte le plus influent du 20e siècle. Appliqués à…
„Der Blaue Reiter“ – kurzer Ausritt mit weitreichenden Folgen
Das 1912 erschienene illustrierte Jahrbuch „Der Blaue Reiter“ gilt als eines der wichtigsten Manifeste der modernen Kunst in Europa. In ihm formulierten der russische Emigrant Wassily Kandinsky, sein Freund Franz Marc und andere assoziierte Künstler ihre Vorstellungen von einer neuen Kunst, die das traditionelle Formenrepertoire sprengen und den Blick von der äußeren Realität auf die innere richten sollte. Auch wenn sie sich dabei auf ähnliche Vorbilder wie die Maler der Künstlergruppe Die Brücke beriefen, auf die Fauvisten etwa und die sogenannte primitive Kunst, strebten sie anders als diese nicht einen einheitlichen neuen Stil an. Der Blaue Reiter fungierte als loser Verbund, in dem eine Vielzahl gänzlich eigenständiger Entwicklungen möglich war.
Der Blaue Reiter wurde durch den Ausbruch des Ersten Weltkriegs, in dem zwei seiner führenden Künstler fielen, aber auch durch wachsende Unstimmigkeiten zwischen den Protagonisten der Gruppe unvermittelt zu Grabe getragen. Diese Einführung zeichnet anhand zentraler Werke wie Franz Marcs Blauem Pferd I (1911), Kandinskys Bild mit schwarzem Bogen (1912) und August Mackes Dame in grüner Jacke (1913) die kurze, aber für die moderne Kunst folgenreiche Geschichte dieser Gruppierung nach.
„Der Blaue Reiter“ – kurzer Ausritt mit weitreichenden Folgen
Das 1912 erschienene illustrierte Jahrbuch „Der Blaue Reiter“ gilt als eines der wichtigsten Manifeste der modernen…
